Portrait d’artiste : Ayano Sudō (1ère partie)

Chère Ayano Sudō, merci de bien vouloir présenter ton travail sur Écho. Tu es née en 1986 à Osaka. Depuis 2015, tu vis à Tokyo, et aujourd’hui tu es représentée par la Galerie MEM (Tokyo). Malgré ton jeune âge, tu as déjà publié un livre de photo, Gestpenster (2014), aux éditions Holoholo Books et tu as reçu plusieurs Prix : Prix de la ville de Kyoto (2009), Prix Morimura Yasumasa lors du MIO Photo Osaka (2010), Prix New Cosmos of Photography (2014). Nous pouvons suivre ton travail sur Tumblr et sur Instagram.

C. L. : Est-ce que tu pourrais nous parler de ta formation ?

A. S. : quand j’avais onze ans, nous avons déménagé à Ashiya, si bien que lorsque j’étais adolescente, je suis allée au lycée d’Akashi. Au sein de ce lycée, j’ai pu suivre un cours d’arts plastiques. Ce cours était très libre, nous pouvions faire tout ce que nous voulions, donc j’ai touché à tout : je me suis essayée au dessin, au design, à la sculpture, au nihonga… je crois que ma grand-mère a encore toutes mes peintures de cette époque. Et pour le travail de fin d’études, j’ai créé une poupée articulée de grand format (fig. 1 et 2). À l’époque, j’étais très inspirée par le travail de Yotsuya Simon, un artiste de poupée articulée et acteur de théâtre. Quand j’avais douze ans, une amie m’a donné un magazine dans lequel certaines de ces œuvres étaient présentées et elles avaient fait forte impression sur moi. Depuis lors, j’avais envie de faire des poupées articulées.

Figure 1 : Ayano Sudō, Poupée articulée, 2005.

Après le lycée, je suis entrée au département « Conceptual media art » de l’université municipale des arts de Kyoto (2009-2011). J’avais des classes très variées : des cours théoriques de gender, on regardait des films, on lisait des essais sur l’art ; et j’avais aussi des cours d’initiation à certaines techniques, comme la soudure, la menuiserie, la sculpture, la photographie ou encore la vidéo. Il y avait bien sûr une chambre noire où j’ai pu apprendre à développer des négatifs et à tirer des photos. Là encore, nous étions libres d’expérimenter ce que nous voulions.

C. L. : Durant ta formation, il me semble que tu es également venu en France ?

A. S. : En 2009, j’ai bénéficié d’un échange étudiant et j’ai passé quatre mois à Paris, à l’École des Beaux-Arts. J’y ai suivi un cours de Fresque. Ce cours m’intéressait, car pour moi c’était de la peinture typique à étudier en France. Peut-être que quand des Français viennent à Kyoto, ils veulent apprendre le nihonga, la peinture japonaise traditionnelle. Moi, à Paris, j’ai fait de la fresque. Je me suis rendue dans les musées pour étudier d’après des originaux. J’ai peint Sainte Madeleine et la Vierge à l’enfant. J’ai travaillé l’esquisse. J’ai fait du nu. C’était une formation très académique. C’était très différent de la formation au Japon, car même des personnes extérieures à l’École des Beaux-arts pouvaient assister à cette classe. J’étais très enthousiaste.

C. L. : À l’université, as-tu rencontré des personnes qui t’ont particulièrement marquée ?

A. S. : J’avais pour professeur Masayuki Towata, un artiste qui utilise les nouvelles technologies et autour de qui il y avait toujours d’autres artistes eux aussi très intéressants, par exemple Yukio Fujimoto, un artiste conceptuel qui mêle photographie, sculpture, musique, etc. Le département dont je dépendais était aussi celui qui avait vu naître le collectif Dumb Type dans les années 1980. C’est un collectif d’artistes qui fait des performances média. L’ambiance de ce département était très intéressante et m’a beaucoup appris.

Figure 2 : Ayano Sudō, Poupée articulée, 2005.

C. L. : Qu’est-ce qui t’a plus particulièrement touché dans le travail des artistes rencontré à la FAC ?

A. S. : Dumb Type a travaillé sur la question du gender et les problématiques LGBT, notamment un de ses membres les plus connus, Teiji Furuhashi, qui est décédé dans les années 1990. Il a passé un certain temps à New York et quand il est revenu au Japon, il nous a fait découvrir le style des performances drag queen. Il est le pionnier de la culture drag queen au Japon. À son époque, c’était une icône à la FAC et son aura était encore très présente quand j’étais étudiante. On m’a notamment raconté qu’après son retour des États-Unis, il avait été invité à une Welcome Party pour les étudiants de première année et qu’il avait fait une performance avec un costume inspiré du film Rocky Horror Show. Depuis toute petite, je voulais être un garçon. Enfant, j’essayais de m’habiller en garçon, j’allais dans les toilettes des garçons, etc. Comme je ressentais que moi aussi j’avais un problème de genre, cette anecdote m’a beaucoup marquée.

C. L. : Est-ce que d’autres artistes t’ont touché en dehors de Teiji Furuhashi ?

A. S. : Mon père collectionne les livres de photos. Quand j’étais petite, j’avais pris l’habitude de feuilleter ceux qu’il avait à la maison. Je me souviens notamment d’un livre de la photographe américaine Diane Arbus. À l’époque, ces photos de « freaks » m’avaient interpelée. Par la suite, lorsque j’étais étudiante, dans un magasin de livres d’occasion, je suis tombée sur un vieux numéro de Studio Voice dans lequel il y avait des reproductions du travail de la photographe française Bettina Rheims. C’était des images de personnes transgenres et gays. Ça m’a beaucoup émue. J’ai voulu connaître son travail un peu mieux, et par la suite, j’ai acheté son livre Modern Lovers (1992). Là, j’ai compris que moi aussi je voulais travailler autour de cette thématique.

Figure 3 : Ayano Sudō, Metamorphose (They are not me, but me – Ayano), 2011.

C. L. : Comment t’es-tu tournée vers la photographie ?

A. S. : Lors de mon séjour à Paris, j’ai eu l’occasion d’aller à Paris Photo. C’était la première fois que j’assistais à une grosse foire d’art contemporain, de surcroît, de photographie. C’était la période où l’on finissait d’abandonner l’argentique pour le numérique, les matériaux pour la photographie argentique avaient presque disparu et étaient devenus très chers. Je pensais donc que devenir photographe était difficile, voire impossible. Mais quand j’ai visité Paris Photo, j’ai été très surprise de voir des photos imprimées sur du papier inkjet et accrochées sans chichi directement au mur. J’ai vu beaucoup de travaux très libres et d’autres excentriques. Jusque-là, je croyais que la photo c’était surtout du documentaire, de l’instantané, que cela montrait la réalité. Pour moi les photographes étaient des gens qui avaient toujours leur appareil autour du coup et qui enregistraient ce dont ils étaient témoins. En visitant Paris Photo, j’ai compris que, d’une part, je n’étais pas obligée de devenir une office lady, que l’art pouvait être un métier, et que d’autre part, même avec la photographie j’avais la possibilité de laisser libre court à mon imagination et de devenir artiste. J’ai aussi vu le travail d’un photographe qui devait être allemand je crois (je ne suis plus sûre), et qui avait photographié des jeunes filles japonaises « Harajuku Style ». Ses images me paraissaient fausses, donc j’ai aussi eu le sentiment qu’en tant que Japonaise, j’étais peut-être plus à même de présenter un Japon que je reconnaitrais.

C. L. : Tu t’es mis tout de suite au travail à ton retour ?

A. S. : Je ne suis restée à Paris que quatre mois, car au printemps, à la fin de l’année universitaire au Japon, nous organisons toujours une exposition des travaux d’étudiants dans un musée local. Je devais donc préparer des travaux pour l’exposition. Dès que je suis rentrée de Paris, j’ai commencé à travailler sur une série que j’ai intitulé Metamorphose (fig. 3 et 4) et qui est aujourd’hui toujours en cours. Même si à la FAC on avait une chambre noire, j’ai tout de suite commencé à travailler en numérique. Je me suis inspirée de la culture girly japonaise, des shojo manga et du style des purikura. Les purikura sont normalement de toutes petites photos, j’ai pensé que ce serait intéressant d’en faire des grands formats. J’ai donc fait des portraits de mes amies et des autoportraits, et ensuite j’ai travaillé sur Photoshop pour transformer les visages avec une peau pâle et scintillante et de grands yeux, et j’ai ajouté des effets qui rappellent ceux des purikura. Je crois que les étoiles dans les yeux et sur le décor dans les shojo manga sont à l’origine des décors proposés dans les purikura machine. Quand j’étais petite, j’avais aussi envisagé de devenir une mangaka. J’avais envie de mettre mon rêve d’enfant dans ce travail. Avec Photoshop, je pouvais dessiner sur l’image avant de l’imprimer. Après l’impression, j’ai ajouté manuellement des touches de peinture et de paillettes. Est-ce que c’était de la photographie ou du dessin ?

Figure 4 : Ayano Sudō, Metamorphose (They are not me, but me – Seiya), 2011.

Lorsque plusieurs photographies de la série Metamorphose sont exposées ensemble, à cause des modifications que j’ai opéré, les spectateurs sont généralement confus et n’arrivent pas toujours à faire la différence entre certaines des photographies qui me représentent et d’autres qui figurent d’autres personnes. Ils me demandent : « est-ce que c’est vous sur cette photo ? »

C. L. : Avec la série Metamorphose (2010-) tu as gagné le Prix Morimura Yasumasa lors du MIO photo Osaka 2010, n’est-ce pas ?

A. S. : Oui, j’avais repéré le concours MIO photo Osaka 2010 et j’avais vu que Morimura Yasumasa faisait partie du jury. J’avais très envie de lui montrer mon travail, car lui aussi travaillait l’autoportrait. Je me suis dit que ce concours serait une bonne opportunité pour l’approcher. J’ai aussi pensé que si lors de ce concours mon travail était récompensé, cela voudrait dire que j’avais mes chances en tant que photographe. Et j’ai eu beaucoup de chance, car mon travail a été sélectionné et en plus il l’a été par Morimura Yasumasa. Pourtant, je n’étais pas encore diplômée. Ça a été une expérience très positive et décisive pour la suite.

C. L. : Ça a marqué le début de ta carrière…

A. S. : À cette époque, en parallèle de l’université, j’étais stagiaire dans la galerie Picture Photo Space (Osaka). Aujourd’hui cette galerie n’existe plus. Malheureusement, le directeur, Masato Aino, est décédé en janvier 2016. Nous avions prévu d’aller à New York pour l’Aipad Photography Show en avril 2011. Je devais être assistante-stagiaire pendant cette foire, mais grâce au Prix que je venais de gagner, le Directeur de la galerie a décidé que je serais présente non pas en tant qu’assistante, mais en tant qu’artiste. Tout de suite après avoir reçu ce Prix, au moment même où je recevais mon diplôme, j’ai fait mes débuts en tant qu’artiste présentée à une Foire internationale de photographie. Ça a été une période très positive. Par la suite, je suis retournée cinq fois à New York avec la galerie Picture Photo Space et j’ai vendu des œuvres à plusieurs occasions. Je me souviens notamment que lorsque j’ai vendu la première œuvre de la série Metamorphose lors de ma première participation à l’Aipad, je me suis demandé pourquoi cette personne voulait acquérir mon travail. Tout allait si vite. Je n’y croyais pas.

Première partie de l’entretien mené par Cecile Laly le 19 juillet 2017

Cecile Laly

CREOPS (Université Paris-Sorbonne), International Research Center for Japanese Studies

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