The « Gould Collection Series » : entretien avec Russet Lederman

img_changeChère Russet, je te remercie de bien vouloir m’accorder un peu de temps lors de ton séjour parisien à l’occasion de Paris Photo 2016. Je voudrais profiter de cette occasion pour que tu présentes le projet « The Gould Collection Series » et son premier opus qui a été publié en septembre dernier (2016). Tu es auteure, chercheure et collectionneuse de livres de photographie. Pour ce projet, tu as travaillé avec deux coéditrices, d’une part Yoko Sawada, qui a travaillé avec Kōtarō Iizawa au sein du magazine Déjà-Vu dans les années 1990 et qui est aujourd’hui directrice d’Osiris Books (Tokyo), et d’autre part Laurence Vecten, directrice de Lozenup et rédactrice photo freelance qui travaille entre autres pour Le Monde (Paris). Ce projet a été réalisé en hommage à Christophe Crison, collectionneur de livres de photographie japonais, qui est décédé prématurément l’année dernière. J’ajouterai que présenter ce projet sur Écho, me tient particulièrement à cœur, car Christophe faisait partie de l’équipe à l’origine de ce blog. Il s’agit donc aussi de lui rendre hommage avec ce post.

C. L. Comment est venue l’idée de la « Gould Collection Series » ?

R. L. Christophe était constamment en train de chercher des informations, des textes, des livres, en rapport avec ses sujets de prédilection. Lorsqu’on lui disait que l’on cherchait quelque chose, le lendemain on recevait un e-mail avec tout ce qu’il avait pu trouver sur le sujet. C’était quelqu’un capable de dénicher des informations que personne d’autre n’aurait su trouver. C’était aussi quelqu’un qui connaissait beaucoup de monde. Je savais par exemple que Yoko Sawada le connaissait très bien, alors je lui ai demandé ce que les gens faisaient au Japon pour rendre hommage à une personne après son décès. Aux États-Unis, nous organisons une collecte pour faire un don au nom de la personne à une Fondation de recherche ou d’entraide. Elle m’a répondu qu’au Japon, il n’était pas coutume de faire ce genre de chose et, à la place, elle m’a proposé de faire un livre avec des œuvres de photographes qu’il appréciait particulièrement. Cela correspondait parfaitement à Christophe, puisqu’il était un collectionneur de livre de photographie japonais absolument passionné. Je savais que Christophe s’intéressait aussi à la littérature, au cinéma et à de nombreux autres domaines créatifs. C’était quelqu’un de très curieux. J’ai donc proposé à Yoko de combiner photographie et littérature.

Photographie Mikiko Hara, "Change", Gould Collection Series, 2016

Photographie de Mikiko Hara, livre « Change », éd. The Gould Collection Series, 2016

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Portrait d’artiste : Yoko Ishii

Yoko IshiiChère Yoko, je te remercie d’accepter de me rencontrer pour parler de photographie et de cerfs. Ton nom complet est Yoko ISHII. Tu es née en 1962 à Yamaguchi. Tu vis à Kanagawa et travailles à Tokyo. Je précise également que ton exposition intitulée Beyond the Border, au Ginza Nikon Salon s’est achevée il y a peu et qu’une version modifiée sera exposée au Nikon Salon d’Osaka à partir du 4 février 2016.

C. L. Ton travail a récemment été présenté en France…

Y. I. Oui, le premier janvier de cette année (2016), l’article « Au Japon, les cerfs sont des citadins comme les autres », qui présente treize de mes photographies de cerfs à Nara, a été publié par Marie LELIḔVRE, éditrice photo au quotidien Le Monde, sur le site web du Monde. J’ai rencontré Marie Lelièvre l’année dernière lors d’un événement organisé par Yumi GOTŌ au Reminders Photography Stronghold, Tokyo. À cette occasion, je lui avais présenté mon travail, puis je lui ai envoyé mon livre de photo. Ça lui a plu, donc elle a décidé de présenter mon travail sur leur site. Elle m’a contactée le 30 décembre et l’article a été publié le 1er janvier, cela a été très rapide. Depuis, une vingtaine de jours sont passés et j’ai déjà eu un peu plus de douze mille partages sur Facebook. C’est un très beau cadeau de Nouvel An !

En plus, lorsque j’ai appris le français, pour moi Le Monde était un standard. J’ai beaucoup étudié à partir des textes de ce journal. Mon professeur de traduction simultanée nous avait même fait apprendre par cœur certains articles. C’était vraiment dur. Donc, voir mon travail être présenté sur leur version électronique, c’était un peu comme un rêve.

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Portrait d’artiste : Miki Nitadori (2ème partie)

Miki Nitadori, Blond Ambition, installation, Galerie Lacen, Paris, mai 2008Figure 7 : Miki Nitadori, Blond Ambition, installation, Galerie Lacen, Paris, mai 2008

C. L. Blond Ambition, 2008, est un travail différent de tes premiers travaux.

M. N. Oui, Blond Ambition n’est pas un travail photographique. C’est une installation avec une vidéo. L’installation est constituée d’une pièce blanche d’à peu près 10m2, dans laquelle j’ai installé un tapis blanc sur le sol et un meuble bas rond et rouge au centre du tapis. Sur ce rond rouge, j’ai disposé deux écrans avec des casques qui diffusent une vidéo de 4,14min en boucle. Cette installation résulte d’une réflexion sur les thèmes de la transculturalité, l’identité et la transmission culturelles.

La pièce blanche, avec un cercle rouge en son centre, représente le hi-no-maru, le drapeau japonais. Outre le symbole identitaire évident du drapeau, cela fait également référence à la polémique qui revient chaque année sur le fait d’arrêter de hisser le hi-no-maru et de chanter le Kimi-ga-yo (l’hymne japonais) dans les écoles, car ils rappellent tous deux l’histoire de la Seconde Guerre mondiale. Pendant la guerre, les soldats combattaient en portant le hi-no-maru et tout le monde signait autour du cercle rouge, parce que celui-ci était réservé aux kamis (divinités) et à l’empereur. Dans mon installation, les deux écrans sont placés dans l’espace normalement sacré, afin d’amener les gens à marcher et à s’assoir sur le drapeau pour regarder la vidéo.

C. L. Qui est le personnage principal de la vidéo ?

M. N. Le personnage principal de cette vidéo est Satomi SEKI, une personne nippo-américaine de deuxième génération, qui m’était très chère et qui est aujourd’hui décédée. Elle est morte en 2010, à l’âge de 97 ans. Lorsque je l’ai rencontré, elle avait déjà 70 ans passés. Nous étions voisines à Lahaina. Je passais beaucoup de temps chez elle et son mari, Hōzen. Comme elle était parfaitement bilingue (anglais-japonais), elle m’aidait avec mes devoirs. Je me souviens également que nous fêtions toujours son anniversaire début janvier. Depuis mon enfance, elle m’a raconté son histoire, et culturellement elle m’a transmis beaucoup de choses.

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Portrait d’artiste : Miki Nitadori (1ère partie)

Miki-atelier

Bonjour Miki, je te remercie d’avoir accepté de me recevoir dans ton atelier pour présenter ta carrière et ton travail. Ton nom complet est Miki NITADORI. Tu es née en 1971 à Tokyo, Japon. Tu as habité dans de nombreux pays, et aujourd’hui tu vis et travailles à Paris.

C. L. Dans un premier temps, pourrais-tu expliquer quelles sont tes origines ?

M. N. Je suis née à Tokyo, en 1971, l’année du premier choc pétrolier, mais mon nom de famille, Nitadori, vient d’un village du nord du Japon dans la préfecture d’Iwate. Ce village existe toujours aujourd’hui. Je l’ai visité et j’ai vu les tombes de mes ancêtres, ainsi que le temple de notre déesse. Nitadori est un nom surtout répandu au nord du Japon, à Tokyo il y a peu de Nitadori. C’est aussi un nom de famille qui a des origines aïnou, mais nous, nous ne sommes pas considérés comme des aïnous. Je suis la 15e génération de Nitadori. Normalement, la transmission dans les familles japonaises passe par les hommes, mais dans ma famille c’est un peu différent : ma grand-mère était orpheline, donc c’est sa grand-mère (mon arrière-arrière-grand-mère) qui s’est occupée d’elle ; et quand mon grand-père a épousé ma grand-mère, il a pris notre nom.

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Portrait d’artiste : Mami Kiyoshi

MamiBonjour Mami, je te remercie d’avoir accepté de nous présenter ta carrière et ton travail. Ton nom complet est Mami Kiyoshi. Tu es née en 1974 à Saitama, préfecture de Saitama, Japon. Tu vis et travailles actuellement à Paris.

C. L. : Dans un premier temps, pourrais-tu parler de ta formation ?

M. K. : J’ai étudié à l’université d’art de Musashino de 1992 à 1997. Je dépendais du département Eizō gakka, c’est-à-dire du département de Science de l’image. La formation offerte par ce département est très variée. J’ai étudié le dessin, le cinéma, l’infographie, les installations multimédias, la production d’émission télé, et bien sûr la photographie. Après avoir été diplômée, j’ai travaillé pendant quatre années dans un studio photo (1997-2001). J’étais assistante pour des photographes publicitaires. On réalisait principalement des photographies pour des magazines. Cette expérience m’a appris beaucoup de choses, notamment au niveau de l’éclairage et des techniques de retouche et de montage. C’était le moment de la transition entre la photographie argentique et la photographie numérique. On prenait les photographies en argentique, on les numérisait, puis on faisait les retouches et les montages par ordinateur. Par conséquent, j’ai appris à maîtriser les deux techniques.

C. L. : Aujourd’hui, tu as une identité plastique forte. Comment s’est-elle développée ?

M. K. : Je crois que j’ai développé mon style à la fin de mes études universitaires, mais rien n’était encore fixé. Ensuite j’ai travaillé en studio et je n’avais plus le temps de me concentrer sur mon projet artistique. Quand j’ai quitté le studio après quatre années intensives, j’étais trop fatiguée pour être dans un état d’esprit créatif. Alors pendant deux ans j’ai pris mon temps. Pendant cette période, j’ai quand même travaillé comme freelance pour gagner ma vie. Mais j’en ai vraiment profité pour me reposer le cœur, le corps et le mental. En d’autres mots, je dirais que pendant mes études une graine artistique a été plantée dans mon esprit, et cette graine à germer petit à petit avec l’apprentissage de la technique en studio, puis avec le temps de la réflexion. Finalement, en 2003 j’ai découvert que je pouvais réaliser ce que j’imaginais et ce que je voulais.

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