Portrait d’artiste : Miki Nitadori (2ème partie)

Miki Nitadori, Blond Ambition, installation, Galerie Lacen, Paris, mai 2008Figure 7 : Miki Nitadori, Blond Ambition, installation, Galerie Lacen, Paris, mai 2008

C. L. Blond Ambition, 2008, est un travail différent de tes premiers travaux.

M. N. Oui, Blond Ambition n’est pas un travail photographique. C’est une installation avec une vidéo. L’installation est constituée d’une pièce blanche d’à peu près 10m2, dans laquelle j’ai installé un tapis blanc sur le sol et un meuble bas rond et rouge au centre du tapis. Sur ce rond rouge, j’ai disposé deux écrans avec des casques qui diffusent une vidéo de 4,14min en boucle. Cette installation résulte d’une réflexion sur les thèmes de la transculturalité, l’identité et la transmission culturelles.

La pièce blanche, avec un cercle rouge en son centre, représente le hi-no-maru, le drapeau japonais. Outre le symbole identitaire évident du drapeau, cela fait également référence à la polémique qui revient chaque année sur le fait d’arrêter de hisser le hi-no-maru et de chanter le Kimi-ga-yo (l’hymne japonais) dans les écoles, car ils rappellent tous deux l’histoire de la Seconde Guerre mondiale. Pendant la guerre, les soldats combattaient en portant le hi-no-maru et tout le monde signait autour du cercle rouge, parce que celui-ci était réservé aux kamis (divinités) et à l’empereur. Dans mon installation, les deux écrans sont placés dans l’espace normalement sacré, afin d’amener les gens à marcher et à s’assoir sur le drapeau pour regarder la vidéo.

C. L. Qui est le personnage principal de la vidéo ?

M. N. Le personnage principal de cette vidéo est Satomi SEKI, une personne nippo-américaine de deuxième génération, qui m’était très chère et qui est aujourd’hui décédée. Elle est morte en 2010, à l’âge de 97 ans. Lorsque je l’ai rencontré, elle avait déjà 70 ans passés. Nous étions voisines à Lahaina. Je passais beaucoup de temps chez elle et son mari, Hōzen. Comme elle était parfaitement bilingue (anglais-japonais), elle m’aidait avec mes devoirs. Je me souviens également que nous fêtions toujours son anniversaire début janvier. Depuis mon enfance, elle m’a raconté son histoire, et culturellement elle m’a transmis beaucoup de choses.

Miki Nitadori, Blond Ambition, extrait de la vidéo (1:39)

Figure 8 : Satomi dans Miki Nitadori, Blond Ambition, 2008, extrait de la vidéo (1:39)

Satomi est née en Californie, de parents japonais originaires d’Hiroshima. Ses parents, fleuristes de métier, avaient relativement bien gagné leur vie et au moment de prendre leur retraite, ils ont décidé de rentrer à Hiroshima. Ils avaient une maison un peu en dehors de la ville. Lorsqu’en 1945, la bombe atomique est tombée sur Hiroshima, son père était en train de jardiner et sa mère se trouvait dans la maison. Son père, qui était en extérieur, a été irradié. Il est mort au bout de trois mois. Sa mère, elle, a été protégée des radiations par la maison et a vécu jusqu’à 100 ans. J’ai eu la chance de la rencontrer quand j’étais jeune.

Satomi a grandi en Californie, mais pour le lycée, elle est partie étudier au Japon. À l’époque, il fallait prendre le bateau, c’était un très long voyage à travers le Pacifique. Une fois de retour en Californie, elle a rencontré Hōzen, l’homme qui est devenu son mari. Hōzen était un moine bouddhiste originaire de Kagoshima. Sa vie était aussi une grande aventure, car il avait rejoint les États-Unis avec un petit avion biplace. Après leur rencontre, ils se sont installés en Arizona et il a été un des premiers à ouvrir un temple bouddhiste à l’intérieur des terres américaines. C’était un pionnier. Pendant la Seconde Guerre mondiale, ils habitaient à New York. Normalement, les Japonais qui se trouvaient à l’est de Colorado River n’étaient pas internés dans les camps. Mais comme Hōzen était à la tête d’un temple à New York, il était considéré comme une personne d’influence, donc il a quand même été interné. C’est la première personne à m’avoir parlé de son expérience dans les camps. Quand je lui ai demandé comment était la vie là-bas, il m’a répondu : « tu sais Miki, j’ai appris à jouer du violon dans le camp, alors c’était bien » et il s’est mis à rire.

C. L. Que raconte la vidéo de Blond Ambition ?

M. N. Blond Ambition questionne l’identité japonaise et les relations nippo-américaines à la suite de Pearl Harbor, un événement marquant de l’histoire d’Hawaï et des relations nippo-américaines. Je suis partie de Satomi et de son histoire. C’est en discutant avec elle et son mari que j’ai compris ce que c’est d’être japonais. D’une part, en entendant leur histoire, j’ai pris conscience de la façon dont les Japonais utilisent le rire pour survivre. Le rire, utilisé comme moyen de surmonter les épreuves, fait définitivement partie de l’identité japonaise. D’autre part, j’ai aussi voulu réfléchir à ce que cela fait de se construire entre deux cultures et de se retrouver pris entre les conflits qui existent entre ces deux cultures.

Dans la vidéo, entre les extraits de paroles de Satomi, j’ai inséré des interviews de Japonais et de Nippo-américains de Maui que j’ai réalisées en japonais et en anglais. Je leur ai demandé ce que cela voulait dire d’être japonais et ce que représentait le Japon pour eux. Il y a eu toutes sortes de réponses. Je les ai transcrits dans un blog dédié à ce travail (accéder à la transcription des paroles).

Miki dans Miki Nitadori, Blond Ambition, 2008, extrait de la vidéo (1:04)

Figure 9 : Miki dans Miki Nitadori, Blond Ambition, 2008, extrait de la vidéo (1:04)

Entre les images de Satomi, j’ai inséré des images tirées d’une ancienne vidéo de moi, que j’avais réalisée lorsque j’étais plus jeune et dans laquelle je porte une perruque blonde. L’insertion de ces images n’est pas du tout autobiographique. Je les ai récupérées et détournées, car la perruque blonde que je portais correspondait parfaitement à ce que je souhaitais exprimer. Après la bulle économique, de nombreuses entreprises américaines sont venues s’installer au Japon. Parmi les Japonais, il était devenu très à la mode de travailler pour ces entreprises. C’est une période où la société japonaise a changé très rapidement. Avant, les gens restaient toute leur vie dans la même entreprise. Mais avec l’implantation de ces nouvelles sociétés, les Japonais commençaient à changer d’entreprises, à avoir plus de flexibilité. Lors d’une de mes visites au Japon après l’explosion de la bulle, j’étais dans le métro de Tokyo et j’ai été très surprise de me rendre compte que j’étais une des seules personnes de la rame à avoir les cheveux noirs. Tout le monde – les jeunes comme les vieux, les femmes comme les hommes – était décoloré en blond ou en châtain. C’était impressionnant !

C. L. Où as-tu montré ce travail ?

M. N. J’ai d’abord montrée la vidéo avec l’installation dans une galerie de Paris qui s’appelait Galerie Lacen (Fig. 7), puis je l’ai présentée à l’Oslo Screen Festival. C’était mon premier travail vidéo et c’était une vidéo assez courte, donc je voulais tenter un petit festival. J’avais envie de voir comment les gens réagiraient. Lorsque j’ai su que ma vidéo était acceptée, j’étais très contente. Ensuite, par chance un des organisateurs du Rotterdam Film Festival est venu à Oslo et a décidé d’intégrer mon travail à Rotterdam. Par la suite, je l’ai aussi montrée dans d’autres pays.

Figure 9 : Miki Nitadori, Odyssey/Reflect

Figure 10 : Miki Nitadori, Odyssey/Reflect, 2013, transfert sur tissu, collection privée

C. L. Dans Odyssey/Reflect, 2013, tu continues de travailler sur le thème des Nippo-américains d’Hawaï. Peux-tu expliquer la démarche de ce travail ?

M. N. Quand je suis arrivée à Maui, j’avais onze ans. J’avais appris à parler anglais quand j’étais en Thaïlande, mais j’ai vite oublié une fois de retour au Japon. Je me souviens qu’avant d’aller à l’école de Lahaina pour la première fois, j’avais un peu peur de ne pas arriver à communiquer. Je me suis entrainée à dire les phrases qui me paraissaient importantes comme : « Where is the toilet ? ». Puis, à la fin de la première journée de classe, quand j’attendais ma mère, certains enfants me lançaient des choses comme « japs go home ». Ma première expérience à Maui a été assez dure, car c’est là que j’ai compris que j’étais japonaise. Il y avait un décalage culturel énorme entre eux et moi. Je n’arrivais pas à être proche des autres enfants de mon âge – j’avais juste quelques camarades de jeux philippins avec qui je jouais au street basket. Finalement, les gens avec qui je passais la plupart de mon temps étaient les vieilles personnes nippo-américaines, comme Satomi et Hōzen. Ce sont les personnes âgées qui m’ont accueillie, qui ont parlé avec moi en japonais, et avec qui je pouvais avoir des relations simples et agréables. Je crois que c’était en partie dû au fait que nous partagions une certaine nostalgie du Japon. Les personnes âgées m’ont raconté leurs histoires et je me suis sentie très proche de l’histoire des Nippo-américains. Discuter avec eux m’a permis de réfléchir à mon identité. Je pense que la transmission culturelle d’une génération à une autre est très importante. Or la génération de mes parents, c’est-à-dire qui est née pendant la guerre, a perdu les liens avec le passé, avec le Japon traditionnel. Dans leur jeunesse, eux ils rêvaient de Rock and roll, d’Elvis, d’américanisation. Ils ont vécu comme des expatriés. Mais moi, je ne suis pas expatriée, je suis immigrée. Je suis quelqu’un qui reste. Donc, avec le temps, je me rends compte que même si mon arrivée à Maui a été difficile, c’est un endroit qui m’est cher, car il m’a construit et il est ancré dans mon identité. À Maui, j’ai rencontré des personnes extraordinaires et je veux leur rendre hommage.

Figure 10 : Miki Nitadori, Odyssey/Reflect

Figure 11 : Miki Nitadori, Odyssey/Reflect, 2013, transfert sur tissu

C. L. Pour Odyssey/Reflect, tu utilises des photographies trouvées et regroupées dans une valise. Quelle est l’histoire de cette valise ?

M. N. Cette valise de photographies m’a été donnée par Thomas HARDY, un ami français. Nous nous sommes rencontrés à l’époque où j’étais au 59 Rivoli. Un jour où il visitait le squat, il est venu dans mon atelier et, quand il a vu une de mes photos de l’usine de canne à sucre de Lahaina, il l’a reconnue et l’on a commencé à discuter. Il s’avère qu’il avait habité à côté de cette usine et qu’il se souvenait très bien de l’odeur très forte qui s’en dégageait tous les matins. Il m’a dit qu’il avait récupéré des photos de ses voisins à Lahaina et m’a proposé de me les montrer. J’ai été très heureuse de pouvoir les regarder, mais ça n’a pas été plus loin. Puis, peut-être deux ans plus tard (je ne suis plus sûre des dates), nous nous sommes croisés par hasard dans une agence de voyages devant Beaubourg. Cette agence n’existe plus aujourd’hui, mais à l’époque elle était très prisée parce qu’elle pratiquait des prix vraiment attractifs. À cause des tarifs, il y avait toujours beaucoup de monde, donc il fallait venir très tôt. J’y suis allée pour 9h et par hasard je suis tombée sur Thomas. Je voulais un billet pour rendre visite à mes parents à Maui et lui avait décidé de partir vivre aux États-Unis. Comme il s’en allait de façon définitive, il a proposé de me donner la valise de photos.

C. L. Sais-tu comment cette collection de photos a été constituée ?

M. N. Lorsque Thomas habitait à Lahaina, une des maisons voisines, qui était abandonnée, avait été habitée par des Nippo-américains. Juste avant la démolition de la maison, Thomas a décidé d’aller la visiter et c’est là qu’il a trouvé les photos. Il les a prises pour qu’elles ne soient pas détruites avec le reste de la maison. Par contre, lorsqu’il m’a raconté le moment où il a sauvé ces photos, il ne se souvenait plus si elles étaient déjà regroupées dans une valise ou si c’est lui qui les avait mis dedans. En tout cas, ces photographies proviennent d’une famille nippo-américaine de Lahaina.

C. L. As-tu pu en savoir un peu plus sur l’origine de ces photographies ?

M. N. Lorsque j’ai fait un premier voyage de préparation du projet, j’ai mené une enquête en partant d’un nom inscrit sur une enveloppe qui se trouvait dans la valise. J’ai retrouvé les descendants de cette famille, mais malheureusement ils ne reconnaissaient pas les gens sur les photographies. Ça n’a donc mené nulle part. Puis, lorsque j’ai exposé au Maui Arts and Cultural Center en 2013, un monsieur de 85 ans, M. KAWAGUCHI, et un autre de 80 ans, M. KUTSUNAI, sont venus voir mon travail. M. KAWAGUCHI m’a raconté qu’il connaissait plusieurs personnes sur les photos et il s’avère que M. KUTSUNAI était le fils du photographe qui avait réalisé une des photographies que j’avais utilisées. J’ai beaucoup échangé avec ces deux messieurs qui sont d’anciens professeurs d’histoire et de sports, ainsi que des collectionneurs de tout ce qui a trait à l’histoire des immigrants de Maui. M. KUTSUNAI m’a raconté que son père était un photographe professionnel de Lahaina. Sur le recto d’une des photos, j’avais également remarqué une inscription qui indiquait que leur famille était originaire d’Hiroshima.

Ce qui est drôle, c’est que ces deux messieurs ont été les voisins de mes parents pendant très longtemps. Mon père, qui aime bien marcher le matin, les connaissait très bien, car il les croisait régulièrement pendant sa promenade quotidienne. En 2001, alors que je travaillais sur une petite série de photographie avec des garçons hawaïens et des fleurs, j’avais repéré une belle branche de cassier. J’en avais parlé à mon père qui avait demandé à M. KUTSUNAI si je pouvais avoir cette branche de fleurs et c’est lui qui me l’avait donné. Nous n’avions pas conscience de toutes ces connexions, mais nous nous connaissons depuis 2001.

Figure 11 : Miki Nitadori, Odyssey/Reflect

Figure 12 : Miki Nitadori, Odyssey/Reflect, 2013, transfert sur tissu

C. L. Pour Odyssey/Reflect, tu as continué d’utiliser du tissu. Pourquoi le tissu a-t-il pris autant d’importance dans ton travail ?

M. N. J’ai commencé à utiliser le transfert de photo sur tissu avec Combat. Le tissu est important pour moi, car j’ai habité dans plusieurs pays où la culture du tissu était très présente. J’ai habité en Thaïlande, où il y a une vraie culture du tissu. Lorsque je suis revenue au Japon, pays du symbolisme où chaque chose en représente une autre (les armoiries familiales ; le pin symbole de chance ; les fleurs de cerisiers liées à la vie, surtout éphémère, comme celle des soldats du Yasukuni ou de la promesse des kamikazes de se revoir pendant la période des fleurs de cerisier ; etc.), le tissu et la façon de s’habiller étaient également très présents. Puis, il y a eu Hawaï, avec le tissu hawaïen, qui en fait n’est pas hawaïen. L’histoire de la chemise aloha est très intéressante ! Ça mélange notamment l’histoire du kimono japonais et du tissu Vichy ou Gingham. C’est un assortiment d’influences asiatiques et européennes. Les Européens étaient très présents à Hawaï, l’île de Maui a d’abord été abordée par un Français qui s’appelait Jean-François de La Pérouse. Sans compter que quand j’étais petite, ma mère cousait tous mes vêtements, jusqu’à mes pyjamas. Depuis mon enfance, je suis donc plongée dans le tissu, dans la combinaison des motifs et des couleurs, ainsi que dans leur symbolique.

C. L. Quel type de tissus utilises-tu ?

M. N. J’utilise des tissus américains, français, européens, japonais, etc. Je choisis en fonction de la photo et du rythme que je veux donner. Parfois, c’est aussi juste instinctif. En général, je recherche des tissus qui représentent un environnement symbolique, et ensuite j’essaie le transfert. De temps en temps ça marche, de temps en temps ça ne marche pas. Avec cette technique, tout n’est pas parfaitement contrôlé.

Par exemple, dans cette image (Fig. 11), j’ai utilisé un tissu américain avec des écritures qui glorifient les militaires. L’armée est un élément très important pour les Nippo-américains, car c’est par cet intermédiaire qu’ils ont été acceptés en tant que citoyens après la Seconde Guerre mondiale. Lorsqu’ils ont été internés dans les camps, certains ont décidé de s’engager auprès d’autres Nippo-américains qui n’étaient pas internés, et ils sont partis se battre en Europe, notamment dans les Vosges (France), à Bruyères et Bellefontaine. Il y a d’ailleurs un Nippo-américain de Lahaina enterré au cimetière américain d’Épinal. Je me suis récemment rendue sur sa tombe. Dans un travail plus ancien (Fig. 10), j’avais utilisé un tissu qui représentait une carte du monde. Cette image présentait une interprétation totalement différente, en lien avec l’idée de déplacement. Le déplacement est aussi une idée très importante de cette série. Enfin, pour cet autre exemple (Fig. 13), les Européens sont généralement surpris parce que j’ai cadré la photo sur l’espace qui sépare l’homme de la femme. Avec la photo, je montre la distance qu’il y a entre eux, mais avec le motif du tissu, j’oppose cette distance à un jeu de séduction à l’occidental. Les Japonais ne sont pas dans la parole et la séduction physique. Pour nous, ce qui compte, c’est d’exister ensemble. C’est une différence culturelle à laquelle on doit fréquemment faire face quand on est une femme immigrée.

Figure 13 : Miki Nitadori, Odyssey/Reflect, 2013, transfert sur tissu

Figure 13 : Miki Nitadori, Odyssey/Reflect, 2013, transfert sur tissu

J’ai eu beaucoup de critiques du fait que j’utilise des tissus européens, par exemple la toile de Jouy. On m’a dit qu’il n’y avait pas de lien entre ce tissu et l’histoire des immigrés nippo-américains. Mais je ne suis pas d’accord. Pour moi, il y a définitivement un lien. Les Européens font partie de l’histoire d’Hawaï. Les îles ne se sont pas construites uniquement dans la confrontation avec les États-Unis, mais aussi avec le passage des Russes, des Anglais, des Français, des Hollandais, des Portugais, etc. D’autre part, j’adore la toile de Jouy, car ses motifs racontent des histoires avec intelligence et ces histoires représentent la vie que les enfants d’immigrés rêvent d’avoir. Une vie meilleure, à l’occidentale.

C. L. Comment réalises-tu les transferts ?

M. N. D’abord, je scanne l’image que je veux utiliser et je fais un tirage papier. Je ne travaille pas du tout l’image sur l’ordinateur, je ne fais que cadrer la partie qui m’intéresse pour l’agrandissement. Puis le travail manuel commence, il faut transférer l’image du papier vers le tissu. C’est un procédé à la fois facile et délicat. Il suffit de mettre le tissu à plat, avec une couche de liquide de transfert et l’image à transférer. Puis, il faut bien aplatir la surface et chasser toutes les bulles d’air. Ensuite vient le séchage qui fixe l’image photographique sur le tissu. Enfin, il faut retirer le papier. Pour cette dernière étape, il faut frotter doucement le papier avec une éponge humide. Ça abime beaucoup les mains. J’ai souvent les mains en sang durant cette étape. Une fois tout le papier retiré, je passe un vernis brillant. Le vernis devient mat avec le temps, alors de temps en temps je repasse une couche. J’aime ce processus de l’image qui pénètre le tissu avec le transfert et de la surface vernie qui évolue avec le temps. Ça rend l’œuvre unique. Elle a ses défauts et elle vit sa vie.

C. L. As-tu exposé Odyssey/Reflect à Hawaï ?

M. N. Au départ, j’avais proposé la série Combat au Maui Arts and Cultural Center. Odyssey était en cours et le musée a voulu voir cette série. L’idée leur a beaucoup plu et une exposition a été programmée. J’ai dû travailler intensivement pour que la série soit suffisamment aboutie pour être exposée aux dates convenues. C’était comme si ces photographies étaient rappelées par les îles. C’est toute l’histoire des immigrés : ils veulent toujours revenir à leurs origines. La première exposition dans les îles était à Maui. C’était très important pour moi, car c’est l’île où j’ai habité et l’île d’où viennent les photos. L’exposition était très émouvante. Il y avait une vraie connexion entre le public, mes travaux et moi. J’ai été couverte de Lei au point que la commissaire, Neida BANGERTER, a plaisanté en me disant que c’était comme si j’avais terminé le lycée. Dans la culture hawaïenne, le Lei est offert pour féliciter quelqu’un. Mais ces Lei n’étaient pas que pour moi, ils étaient aussi pour les gens sur les photos. J’ai également exposé Odyssey au Honolulu Museum of Art. Et en ce moment, jusque juillet 2016, il y a aussi une exposition à l’Hawaï State Art Museum des pièces que ce musée a acquises pour ses collections. Je suis très contente de pouvoir exposer ce travail à Honolulu, mais le contexte est un peu différent. Bien sûr, les gens d’Honolulu partagent cette histoire et ils sont vraiment touchés par mes œuvres, mais ces photos, tout comme moi, viennent de Maui.

C. L. Tu as également exposé Odyssey/Reflect en France. Comment cela s’est-il passé ?

M. N. Alors que je venais juste de revenir sur Paris et que la plupart des œuvres étaient encore à Hawaï, j’ai rencontré les marchands Bernard DUDOIGNON (avec qui j’ai déjà beaucoup travaillé pour Combat) et Emmanuelle FRUCTUS (Un livre – une image). Ils ont adoré mon travail et ils m’ont encouragé à participer avec Odyssey/Reflect à la thématique « Anonymes et amateurs célèbres », dont Valérie FOUGEIROL était la commissaire pour le mois de la photo 2014. Il n’y avait plus que trois jours avant la date limite de dépôt des dossiers. Ils m’ont tous les deux beaucoup aidée. L’exposition a eu lieu du 6 novembre au 6 décembre 2014 à la Galerie Catherine et André Hug, située dans le quartier de St-Germain. Pour cette exposition, nous avons réfléchi sur la façon d’exposer ce travail. Je ne voulais pas que ce soit simplement accroché au mur. Je voulais jouer avec l’espace et la vue depuis la rue à travers la grande vitrine de la galerie. J’ai fait faire des agrandissements que nous avons collés sur toute la hauteur des murs en jouant sur la profondeur de la pièce (Fig. 14). Je suis vraiment contente, car cette exposition a été une belle réussite, avec beaucoup de communication. Nous avons même eu un article en deuxième page du New York Times.

Figure 13 : Exposition Miki Nitadori, Odyssey/Reflect, Galerie Catherine et André Hug, Paris, 6 novembre - 6 décembre 2014

Figure 14 : Exposition Miki Nitadori, Odyssey/Reflect, Galerie Catherine et André Hug, Paris, 6 novembre – 6 décembre 2014

C. L. De manière générale, comment est reçu ton travail de part et d’autre du monde ?

M. N. Quand je montre le travail d’Hawaï en Europe à des gens qui ne me connaissent pas, je vois que c’est très loin pour eux. Parfois, les petites galeries pensent qu’elles ne peuvent pas montrer mon travail à un public français ou européen. Lorsque les galeries exposent des Japonais, elles veulent que ce soit des Japonais du Japon, qui montrent des samouraïs et des geishas ou qui correspondent à la tendance du moment. Mais ce n’est pas moi. Comme on dit à Hawaï, je suis Chop Suey ou Saimin. Je suis un mélange de culture. Néanmoins, lors d’une exposition ou d’un vernissage, quand les gens ne comprennent pas les œuvres, c’est intéressant parce que cela permet d’engager une conversation qui aboutit souvent à des échanges très enrichissants. J’ai également fait quelques expositions au Japon et ironiquement les Japonais ont adoré le côté européen de mon travail. Pour moi, c’est assez paradoxal, car bien sûr, j’habite à Paris depuis de nombreuses années, mais je ne suis pas vraiment européenne. Enfin, à Hawaï, mon travail est évidemment toujours très bien reçu et suscite beaucoup d’émotion.

C. L. Dernière question : quels sont tes projets pour le futur ?

M. N. Tout d’abord, Odyssey/Reflect va être exposé à Aix en Provence du 8 octobre au 31 décembre 2015. Puis, il sera présenté au Carré Amelot, La Rochelle, du 7 janvier au 2 avril 2016.

Miki Nitadori, Appartement, Galerie Plateforme, Paris, mai 2015, crédits photo : Emmanuelle Dagnaud

Figure 15 : Miki Nitadori, Appartement, Galerie Plateforme, Paris, 3 – 9 mai 2015 crédits photo : Emmanuelle Dagnaud

D’autre part, depuis un an environ, j’étudie l’art invisible avec Jean-Baptiste FARKAS, un artiste qui travaille sur l’art non-objet avec des services. C’est une nouvelle direction dans mon travail. Début mai, j’ai réalisé une intervention qui s’intitulait Appartement. La Galerie Plateforme (Paris 20e) avait été transformée en appartement et j’y ai reçu des gens comme si j’étais leur concierge. Il s’agissait de réaliser des interventions personnalisées et interactives. J’ai par exemple reçu le spécialiste de l’art minimal et conceptuel Ghislain MOLLET-VIEVILLE. Il est collectionneur et sa collection est présentée sous la forme de son ancien appartement au musée d’art moderne et contemporain de Genève. Ça l’intéressait de comparer ces deux « appartements ». Pour moi, il s’agissait de réfléchir à la façon de recevoir chaque personne en fonctions de leurs demandes particulières. Il fallait construire la soirée pour en faire une expérience exceptionnelle. J’ai réfléchi à ce qu’est vraiment un appartement et j’ai conclu qu’il fallait que je travaille sur la notion d’intimité et par conséquent sur la corporalité. J’ai mis en place un protocole et j’ai agi comme une « geisha contemporaine ». Dans un premier temps, j’ai d’abord allié services, proximité et silence, puis dans un deuxième temps, nous avons dîné de mets japonais en partageant une conversation. C’est un projet qui avait une structure assez simple, mais qui nous a permis d’avoir des expériences et des échanges très riches.

Pour le soir du vernissage, j’avais également réfléchi à la sonorité d’un appartement pour donner un aspect plus réaliste à l’espace. En repensant au film Tampopo (1985), de Jūzō ITAMI que j’adore, j’ai eu l’idée de réaliser une sorte d’orchestre avec des bruits d’aspiration de nouilles. C’était très intéressant, car quand mes intervenants ont commencé à faire ce bruit, le public français a relativement mal réagi. Les gens regardaient à droite et à gauche les sourcils froncés, ils se sont éloignés petit à petit de la source du bruit, certains sont même sortis. L’orchestre de nouilles a mis en avant des réactions directement en lien avec l’éducation et fait réfléchir aux mélanges et à la confrontation des cultures.

À partir de maintenant, je souhaiterais pouvoir trouver un équilibre entre ces deux pratiques et mener de front la photographie et les interventions.

Figure Miki Nitadori, Appartement, Galerie Plateforme, Paris, mai 2015 crédits photo : Emmanuelle Dagnaud

Figure 16 : Ghislain Mollet-Viéville et Miki Nitadori lors de l’exposition Appartement, Galerie Plateforme, Paris, 3 – 9 mai 2015
crédits photo : Emmanuelle Dagnaud

 Deuxième partie des entretiens menés par Cecile Laly le 18 avril et le 16 juin 2015

Pour citer cet entretien : Cecile Laly, “Portrait d’artiste : Miki Nitadori (2ème partie)”, echo.hypotheses.org, 29/06/2015, 16/09/2015, http://echo.hypotheses.org/244

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Cecile Laly

CREOPS (Université Paris-Sorbonne), International Research Center for Japanese Studies

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