Portrait d’artiste : Kai Fusayoshi

Portrait de Kai Fusayoshi par Sachiko Hamada au Hachimonjiya

Interview de Kai Fusayoshi par son assistante Sachiko Hamada qui a été réalisée en 2010 et publiée en japonais sur un des sites de Kai Fusayoshi. Texte traduit en français par Sylvain Cardonnel.
Nous remercions Kai Fusayoshi, Sachiko Hamada et Sylvain Cardonnel de nous avoir donné leur aimable autorisation de publier la traduction française sur Écho.hypotheses.org

PROMENADE

S. H. : J’ai l’impression que beaucoup de tes photos les plus emblématiques ont été prises en te promenant.

F. K. : À l’origine, la promenade est un univers qui ne connaît pas de concept, se promener occupe une part non négligeable du mode d’existence du chien qui court et vadrouille ici et là, et moi, lorsque je suis monté à la ville, même si ce n’était pas Rousseau et Les rêveries du promeneur solitaire, j’ai beaucoup circulé, erré, même sans mon appareil photo. Au début, je n’avais d’ailleurs que cela à faire. Sais-tu que le logicien Whitehead disait que son plus grand plaisir n’était pas de faire une découverte en logique ou la lecture de travaux d’amis, mais de se lever tôt et de se promener autour de chez lui pour découvrir, par exemple, que ce matin, un arbre était couché ? Il est toujours présomptueux de se servir des grands hommes, mais je dois dire que sur ce point, moi aussi, je mène une existence où ne manquent pas les occasions de promenade. Chaque jour est vraiment une succession de petites découvertes.

S. H. : Est-ce le désir de « petites découvertes » qui est la cause de tes promenades ?

F. K. : Oui. Lorsque j’ai repris la photographie dans les années 1970, mon esprit était tourné vers l’extérieur, toujours l’extérieur. Je tombais tous les jours sur de petites choses, des instants rares.

Crédit photo : Kai Fusayoshi
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Portrait d’artiste : Ayano Sudō (2ème partie)

Figure 5 : Ayano Sudō lors de la remise de Prix New Cosmos of Photography, 2014.Figure 5 : Ayano Sudō lors de la remise de Prix New Cosmos of Photography, 2014.

C. L. : En 2013, le vent a tourné. Que s’est-il passé ?

A. S. : En 2013, je suis tombée malade. J’ai fait une dépression. J’étais très faible, je me sentais seule, abandonnée, comme morte. Alors que j’étais dans cet état d’esprit, je suis tombée sur une affiche de jeune fille disparue. Au Japon, on trouve ce genre d’affiche dans les petites gares ou dans les kōban (petit bureau de police de quartier). Cette affiche m’a fait forte impression. Cette fille sur l’affiche avait disparu et elle était en quelque sorte abandonnée par la société, présumée morte. Je me suis identifiée à elle. J’ai commencé à regrouper des informations sur ces jeunes filles disparues en cherchant des informations sur internet (exemple de sites web) ou des affiches dans la rue. J’en ai trouvé plusieurs dans des petites gares d’Osaka. J’ai eu envie de travailler avec ce que j’avais trouvé.

Figure 6 : Ayano Sudō, Gespenster, 2013.

C. L. : C’était le début de la série Gespenster「幻影」 (2012-2014)…

A. S. : Dans la liste des jeunes filles disparue, il y avait des informations détaillées sur leur apparence la dernière fois qu’elles avaient été vues, par exemple « elle a huit ans et porte une chemise blanche avec un short ». En lisant ces informations, je pouvais visualiser une image. Je voulais faire une reproduction de ces informations. Je suis allée dans des magasins de vêtements d’occasion pour trouver des pièces qui correspondaient aux descriptions faites dans les affiches. Comme c’était une période où j’étais déprimée parce que j’aurai voulu être quelqu’une d’autre, vivre dans un autre corps, j’ai fait des photos avec moi dans le rôle de ces jeunes filles. Je n’ai pas complètement essayé de me faire passer pour elles. Par exemple, je n’ai pas essayé de prétendre que j’avais huit ans (fig. 6). J’ai opté pour une expression neutre, calme, un peu fantomatique. Parfois, j’ai repris la composition de la photographie de l’affiche, mais pas toujours. Ce genre d’histoires peut arriver n’importe où. J’ai fait les shootings dans mon voisinage, car ces affiches sont toujours accrochées dans le voisinage de la famille de la jeune fille disparue. Ce sont des histoires de quartiers. Souvent, les gens finissent par cacher ce qui s’est passé. Au bout de quelque temps, on n’en parle plus. Moi j’ai cherché les informations et je les ai remises en pleine lumière.

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Portrait d’artiste : Ayano Sudō (1ère partie)

Chère Ayano Sudō, merci de bien vouloir présenter ton travail sur Écho. Tu es née en 1986 à Osaka. Depuis 2015, tu vis à Tokyo, et aujourd’hui tu es représentée par la Galerie MEM (Tokyo). Malgré ton jeune âge, tu as déjà publié un livre de photo, Gestpenster (2014), aux éditions Holoholo Books et tu as reçu plusieurs Prix : Prix de la ville de Kyoto (2009), Prix Morimura Yasumasa lors du MIO Photo Osaka (2010), Prix New Cosmos of Photography (2014). Nous pouvons suivre ton travail sur Tumblr et sur Instagram.

C. L. : Est-ce que tu pourrais nous parler de ta formation ?

A. S. : quand j’avais onze ans, nous avons déménagé à Ashiya, si bien que lorsque j’étais adolescente, je suis allée au lycée d’Akashi. Au sein de ce lycée, j’ai pu suivre un cours d’arts plastiques. Ce cours était très libre, nous pouvions faire tout ce que nous voulions, donc j’ai touché à tout : je me suis essayée au dessin, au design, à la sculpture, au nihonga… je crois que ma grand-mère a encore toutes mes peintures de cette époque. Et pour le travail de fin d’études, j’ai créé une poupée articulée de grand format (fig. 1 et 2). À l’époque, j’étais très inspirée par le travail de Yotsuya Simon, un artiste de poupée articulée et acteur de théâtre. Quand j’avais douze ans, une amie m’a donné un magazine dans lequel certaines de ces œuvres étaient présentées et elles avaient fait forte impression sur moi. Depuis lors, j’avais envie de faire des poupées articulées.

Figure 1 : Ayano Sudō, Poupée articulée, 2005.

Après le lycée, je suis entrée au département « Conceptual media art » de l’université municipale des arts de Kyoto (2009-2011). J’avais des classes très variées : des cours théoriques de gender, on regardait des films, on lisait des essais sur l’art ; et j’avais aussi des cours d’initiation à certaines techniques, comme la soudure, la menuiserie, la sculpture, la photographie ou encore la vidéo. Il y avait bien sûr une chambre noire où j’ai pu apprendre à développer des négatifs et à tirer des photos. Là encore, nous étions libres d’expérimenter ce que nous voulions.

C. L. : Durant ta formation, il me semble que tu es également venu en France ?

A. S. : En 2009, j’ai bénéficié d’un échange étudiant et j’ai passé quatre mois à Paris, à l’École des Beaux-Arts. J’y ai suivi un cours de Fresque. Ce cours m’intéressait, car pour moi c’était de la peinture typique à étudier en France. Peut-être que quand des Français viennent à Kyoto, ils veulent apprendre le nihonga, la peinture japonaise traditionnelle. Moi, à Paris, j’ai fait de la fresque. Je me suis rendue dans les musées pour étudier d’après des originaux. J’ai peint Sainte Madeleine et la Vierge à l’enfant. J’ai travaillé l’esquisse. J’ai fait du nu. C’était une formation très académique. C’était très différent de la formation au Japon, car même des personnes extérieures à l’École des Beaux-arts pouvaient assister à cette classe. J’étais très enthousiaste.

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The “Gould Collection Series” : entretien avec Russet Lederman

img_changeChère Russet, je te remercie de bien vouloir m’accorder un peu de temps lors de ton séjour parisien à l’occasion de Paris Photo 2016. Je voudrais profiter de cette occasion pour que tu présentes le projet « The Gould Collection Series » et son premier opus qui a été publié en septembre dernier (2016). Tu es auteure, chercheure et collectionneuse de livres de photographie. Pour ce projet, tu as travaillé avec deux coéditrices, d’une part Yoko Sawada, qui a travaillé avec Kōtarō Iizawa au sein du magazine Déjà-Vu dans les années 1990 et qui est aujourd’hui directrice d’Osiris Books (Tokyo), et d’autre part Laurence Vecten, directrice de Lozenup et rédactrice photo freelance qui travaille entre autres pour Le Monde (Paris). Ce projet a été réalisé en hommage à Christophe Crison, collectionneur de livres de photographie japonais, qui est décédé prématurément l’année dernière. J’ajouterai que présenter ce projet sur Écho, me tient particulièrement à cœur, car Christophe faisait partie de l’équipe à l’origine de ce blog. Il s’agit donc aussi de lui rendre hommage avec ce post.

C. L. : Comment est venue l’idée de la « Gould Collection Series » ?

R. L. : Christophe était constamment en train de chercher des informations, des textes, des livres, en rapport avec ses sujets de prédilection. Lorsqu’on lui disait que l’on cherchait quelque chose, le lendemain on recevait un e-mail avec tout ce qu’il avait pu trouver sur le sujet. C’était quelqu’un capable de dénicher des informations que personne d’autre n’aurait su trouver. C’était aussi quelqu’un qui connaissait beaucoup de monde. Je savais par exemple que Yoko Sawada le connaissait très bien, alors je lui ai demandé ce que les gens faisaient au Japon pour rendre hommage à une personne après son décès. Aux États-Unis, nous organisons une collecte pour faire un don au nom de la personne à une Fondation de recherche ou d’entraide. Elle m’a répondu qu’au Japon, il n’était pas coutume de faire ce genre de chose et, à la place, elle m’a proposé de faire un livre avec des œuvres de photographes qu’il appréciait particulièrement. Cela correspondait parfaitement à Christophe, puisqu’il était un collectionneur de livre de photographie japonais absolument passionné. Je savais que Christophe s’intéressait aussi à la littérature, au cinéma et à de nombreux autres domaines créatifs. C’était quelqu’un de très curieux. J’ai donc proposé à Yoko de combiner photographie et littérature.

Photographie Mikiko Hara, "Change", Gould Collection Series, 2016

Photographie de Mikiko Hara, livre “Change”, éd. The Gould Collection Series, 2016

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Portrait d’artiste : Yoko Ishii

Yoko IshiiChère Yoko, je te remercie d’accepter de me rencontrer pour parler de photographie et de cerfs. Ton nom complet est Yoko ISHII. Tu es née en 1962 à Yamaguchi. Tu vis à Kanagawa et travailles à Tokyo. Je précise également que ton exposition intitulée Beyond the Border, au Ginza Nikon Salon s’est achevée il y a peu et qu’une version modifiée sera exposée au Nikon Salon d’Osaka à partir du 4 février 2016.

C. L. Ton travail a récemment été présenté en France…

Y. I. Oui, le premier janvier de cette année (2016), l’article « Au Japon, les cerfs sont des citadins comme les autres », qui présente treize de mes photographies de cerfs à Nara, a été publié par Marie LELIḔVRE, éditrice photo au quotidien Le Monde, sur le site web du Monde. J’ai rencontré Marie Lelièvre l’année dernière lors d’un événement organisé par Yumi GOTŌ au Reminders Photography Stronghold, Tokyo. À cette occasion, je lui avais présenté mon travail, puis je lui ai envoyé mon livre de photo. Ça lui a plu, donc elle a décidé de présenter mon travail sur leur site. Elle m’a contactée le 30 décembre et l’article a été publié le 1er janvier, cela a été très rapide. Depuis, une vingtaine de jours sont passés et j’ai déjà eu un peu plus de douze mille partages sur Facebook. C’est un très beau cadeau de Nouvel An !

En plus, lorsque j’ai appris le français, pour moi Le Monde était un standard. J’ai beaucoup étudié à partir des textes de ce journal. Mon professeur de traduction simultanée nous avait même fait apprendre par cœur certains articles. C’était vraiment dur. Donc, voir mon travail être présenté sur leur version électronique, c’était un peu comme un rêve.

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Entretien « droit d’auteur » avec Kōtarō Iizawa

Au Japon, nous avons pris conscience de la notion de droit d’auteur au début des années 1990.

Cher Kōtarō IIZAWA, je vous remercie de me recevoir aujourd’hui dans votre café restaurant de Tokyo, le Megutama, afin de parler de votre expérience personnelle concernant le droit d’auteur, les photographies et les livres de photographie. Vous êtes historien de la photographie, critique, auteur, lecteur dans plusieurs universités à travers le Japon et vous gérez ce café restaurant dans lequel vous avez déposé une partie de votre collection de livres sur l’histoire de la photographie japonaise, mais aussi internationale. Depuis les années 1980, vous avez écrit de très nombreux livres sur l’histoire de la photographie (principalement japonaise, mais pas seulement), plus récemment vous avez également écrit sur les champignons – votre passion – et sur le cinéma.

C. L. : Tout d’abord, pourriez-vous nous parler de vos débuts avec l’histoire de la photographie ?

K. I. : Quand j’étais étudiant, je pensais devenir photographe. Mais à peine une semaine après le début des cours, je me suis rendu compte que je n’avais aucun talent en tant que photographe et que j’étais bien plus à l’aise avec l’observation, la recherche et l’écriture. J’ai également pris conscience qu’il y avait très peu de gens qui conduisaient des recherches sur l’histoire de la photographie japonaise, et par conséquent, il n’y avait presque pas de livres sur le sujet. Pour ma thèse, j’ai donc décidé d’écrire sur l’histoire de la photographie japonaise moderne. Pendant que je menais mes recherches de doctorat, en guise de travail, j’écrivais également sur la photographie japonaise contemporaine pour des revues et magazines tels qu’Asahi Camera, Nippon Camera et Bijutsu-Techō. C’est comme ça que je suis devenu à la fois critique et historien de la photographie.

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Portrait d’artiste : Miki Nitadori (2ème partie)

Miki Nitadori, Blond Ambition, installation, Galerie Lacen, Paris, mai 2008Figure 7 : Miki Nitadori, Blond Ambition, installation, Galerie Lacen, Paris, mai 2008

C. L. Blond Ambition, 2008, est un travail différent de tes premiers travaux.

M. N. Oui, Blond Ambition n’est pas un travail photographique. C’est une installation avec une vidéo. L’installation est constituée d’une pièce blanche d’à peu près 10m2, dans laquelle j’ai installé un tapis blanc sur le sol et un meuble bas rond et rouge au centre du tapis. Sur ce rond rouge, j’ai disposé deux écrans avec des casques qui diffusent une vidéo de 4,14min en boucle. Cette installation résulte d’une réflexion sur les thèmes de la transculturalité, l’identité et la transmission culturelles.

La pièce blanche, avec un cercle rouge en son centre, représente le hi-no-maru, le drapeau japonais. Outre le symbole identitaire évident du drapeau, cela fait également référence à la polémique qui revient chaque année sur le fait d’arrêter de hisser le hi-no-maru et de chanter le Kimi-ga-yo (l’hymne japonais) dans les écoles, car ils rappellent tous deux l’histoire de la Seconde Guerre mondiale. Pendant la guerre, les soldats combattaient en portant le hi-no-maru et tout le monde signait autour du cercle rouge, parce que celui-ci était réservé aux kamis (divinités) et à l’empereur. Dans mon installation, les deux écrans sont placés dans l’espace normalement sacré, afin d’amener les gens à marcher et à s’assoir sur le drapeau pour regarder la vidéo.

C. L. Qui est le personnage principal de la vidéo ?

M. N. Le personnage principal de cette vidéo est Satomi SEKI, une personne nippo-américaine de deuxième génération, qui m’était très chère et qui est aujourd’hui décédée. Elle est morte en 2010, à l’âge de 97 ans. Lorsque je l’ai rencontré, elle avait déjà 70 ans passés. Nous étions voisines à Lahaina. Je passais beaucoup de temps chez elle et son mari, Hōzen. Comme elle était parfaitement bilingue (anglais-japonais), elle m’aidait avec mes devoirs. Je me souviens également que nous fêtions toujours son anniversaire début janvier. Depuis mon enfance, elle m’a raconté son histoire, et culturellement elle m’a transmis beaucoup de choses.

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Portrait d’artiste : Miki Nitadori (1ère partie)

Miki-atelier

Bonjour Miki, je te remercie d’avoir accepté de me recevoir dans ton atelier pour présenter ta carrière et ton travail. Ton nom complet est Miki NITADORI. Tu es née en 1971 à Tokyo, Japon. Tu as habité dans de nombreux pays, et aujourd’hui tu vis et travailles à Paris.

C. L. Dans un premier temps, pourrais-tu expliquer quelles sont tes origines ?

M. N. Je suis née à Tokyo, en 1971, l’année du premier choc pétrolier, mais mon nom de famille, Nitadori, vient d’un village du nord du Japon dans la préfecture d’Iwate. Ce village existe toujours aujourd’hui. Je l’ai visité et j’ai vu les tombes de mes ancêtres, ainsi que le temple de notre déesse. Nitadori est un nom surtout répandu au nord du Japon, à Tokyo il y a peu de Nitadori. C’est aussi un nom de famille qui a des origines aïnou, mais nous, nous ne sommes pas considérés comme des aïnous. Je suis la 15e génération de Nitadori. Normalement, la transmission dans les familles japonaises passe par les hommes, mais dans ma famille c’est un peu différent : ma grand-mère était orpheline, donc c’est sa grand-mère (mon arrière-arrière-grand-mère) qui s’est occupée d’elle ; et quand mon grand-père a épousé ma grand-mère, il a pris notre nom.

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Portrait d’artiste : Mami Kiyoshi

MamiBonjour Mami, je te remercie d’avoir accepté de nous présenter ta carrière et ton travail. Ton nom complet est Mami Kiyoshi. Tu es née en 1974 à Saitama, préfecture de Saitama, Japon. Tu vis et travailles actuellement à Paris.

C. L. : Dans un premier temps, pourrais-tu parler de ta formation ?

M. K. : J’ai étudié à l’université d’art de Musashino de 1992 à 1997. Je dépendais du département Eizō gakka, c’est-à-dire du département de Science de l’image. La formation offerte par ce département est très variée. J’ai étudié le dessin, le cinéma, l’infographie, les installations multimédias, la production d’émission télé, et bien sûr la photographie. Après avoir été diplômée, j’ai travaillé pendant quatre années dans un studio photo (1997-2001). J’étais assistante pour des photographes publicitaires. On réalisait principalement des photographies pour des magazines. Cette expérience m’a appris beaucoup de choses, notamment au niveau de l’éclairage et des techniques de retouche et de montage. C’était le moment de la transition entre la photographie argentique et la photographie numérique. On prenait les photographies en argentique, on les numérisait, puis on faisait les retouches et les montages par ordinateur. Par conséquent, j’ai appris à maîtriser les deux techniques.

C. L. : Aujourd’hui, tu as une identité plastique forte. Comment s’est-elle développée ?

M. K. : Je crois que j’ai développé mon style à la fin de mes études universitaires, mais rien n’était encore fixé. Ensuite j’ai travaillé en studio et je n’avais plus le temps de me concentrer sur mon projet artistique. Quand j’ai quitté le studio après quatre années intensives, j’étais trop fatiguée pour être dans un état d’esprit créatif. Alors pendant deux ans j’ai pris mon temps. Pendant cette période, j’ai quand même travaillé comme freelance pour gagner ma vie. Mais j’en ai vraiment profité pour me reposer le cœur, le corps et le mental. En d’autres mots, je dirais que pendant mes études une graine artistique a été plantée dans mon esprit, et cette graine à germer petit à petit avec l’apprentissage de la technique en studio, puis avec le temps de la réflexion. Finalement, en 2003 j’ai découvert que je pouvais réaliser ce que j’imaginais et ce que je voulais.

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Entretien « Droit d’auteur » avec Claude Estèbe

Pour le XIXe siècle, ce n’est pas le droit d’auteur, mais le droit de reproduction qui compte.

Bonjour Claude, je te remercie de bien vouloir participer au deuxième entretien sur le thème du droit d’auteur publié sur “Écho”. Tu as plusieurs casquettes, tu es chargé de cours sur l’histoire visuelle du Japon à l’Inalco, tu es chercheur au CEJ (Centre d’études japonaises), tu es expert indépendant (Bibliothèque Nationale, musée Guimet…) et tu es également photographe. Aujourd’hui, l’exercice sera de répondre à des questions autour de ton expérience personnelle lors de la réalisation des livres de photographie que tu as publiés, à savoir Les derniers samouraïs (2001), Le crépuscule des geishas (2002), tous deux publiés aux éditions Marval, Paris, et Yokohama Shashin 1860-1900 (2014) aux édition YellowKorner, Paris.

C. L. : Pour concevoir tes livres, est-ce que ta connaissance du droit d’auteur en tant que photographe t’a aidée ?

C. E. : Par rapport au droit d’auteur, pas vraiment. C’est plutôt par rapport à l’utilisation de l’iconographie que mon expérience de photographe a eu de l’importance. De plus, je suis ingénieur de formation. Je crois que la formation scientifique m’a beaucoup apporté pour ma thèse, car dans la photographie il y a des données techniques qui doivent être prises en compte pour l’analyse des images. Je pense au temps de pose, à l’objectif utilisé (qui limite les options de cadrage au XIXe), aux produits chimiques, etc. Ce sont des contraintes qu’il faut considérer et que certains historiens de l’art ne prennent pas suffisamment en compte parce qu’ils ne les connaissent pas bien. Pour Yokohama Shashin, mon œil de photographe m’a également permis de choisir soigneusement les images. J’essaie toujours de faire une balance entre les images rares (j’aime bien qu’il y ait des images rares, même si elles ne sont pas très esthétiques) et celles qui sont le mieux composées lorsque je dois en sélectionner une parmi plusieurs… il y a des historiens qui ont un peu de mal à reconnaitre une photo bien composée (à mon goût…). Donc même si ça n’est pas pour le droit d’auteur, mon expérience de photographe m’a été utile.

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Entretien « Droit d’auteur » avec Sophie Cavaliero

Ce qui compte, c’est le respect de l’œuvre et le respect des engagements de qualité que l’on a pris envers l’auteur et son travail !

Bonjour Sophie. Tout d’abord, je te remercie de me recevoir. Cet entretien aura pour sujet la problématique du droit d’auteur dans le cadre de ton expérience avec la réalisation de Nouvelle Garde : l’art contemporain japonais (2011) et de Révélations : la photographie japonaise contemporaine (2013). Ces deux livres, parus aux éditions du Lézard Noir, Poitiers, font partie des publications francophones – encore trop peu nombreuses – portant sur des artistes contemporains japonais. Tu as expérimenté le terrain, rencontré les artistes, les galeries, et établi des relations professionnelles avec eux. Aujourd’hui nous souhaiterions que tu nous fasses part de ton expérience en gardant en tête la thématique de cet entretien : le « Droit d’auteur ».

C. L. : Qu’est-ce que le droit d’auteur pour toi ?

S. C. : Je crois que ce que le droit d’auteur représente vraiment, c’est le respect de l’œuvre et le respect des engagements de qualité que l’on a pris envers l’auteur et son travail. Prenons l’exemple de NINAGAWA Mika, l’une des artistes publiées dans Nouvelle Garde. C’est une photographe, artiste, qui travaille également dans la publication et le cinéma. Elle est connue et reconnue du milieu artistique. Nous avons reproduit certaines de ses photographies. Ce sont des images plasticiennes, composées de couleurs très percutantes. Elle a accepté que nous reproduisions ses photographies sous condition d’un niveau de qualité maximum d’impression et de respect des couleurs. Elle nous a envoyé les références de chromie et quand nous avons fait imprimer, l’éditeur a fait les vérifications qualitatives nécessaires. Nous savions que si les reproductions n’étaient pas de bonne qualité nous aurions dû retirer le livre de la vente. Quand nous avons signé le contrat avec elle, il y avait donc un véritable engagement de qualité de notre part. Puis, quand j’ai à nouveau contacté la galerie pour le projet Révélations, l’artiste nous a fait savoir qu’il n’y avait pas de problème, car elle nous faisait confiance. C’était le signe que de bons rapports de travail s’étaient installés.

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Droit d’auteur

copyrightAfin de définir la ligne éthique que nous allons suivre sur “Écho”, nous avons décidé de placer parmi les premières publications, une série de réflexions sur le droit d’auteur. Ce billet est un rappel de règles à suivre, que l’on fasse appel au bon sens ou à la loi. Elles sont facilement vérifiables sur d’autres sites (quelques références et liens en fin de billet). En effet, sans être juriste, se familiariser avec le droit d’auteur est important pour toute personne s’intéressant à la photographie (ainsi qu’à d’autres créations intellectuelles), d’autant plus lorsque cet intérêt se matérialise sur internet. Avec le développement des médias électroniques, les utilisations frauduleuses se sont multipliées ; il s’agit probablement « d’erreurs de débutants » et nous espérerons qu’avec une éducation au numérique, le respect des règles et surtout le bon sens reprendront le dessus.

Outre la définition de notre ligne éthique, ce billet servira également de base à une série d’entretiens qui seront menés auprès de personnes sélectionnées pour leurs expériences du droit d’auteur dans un espace franco-japonais. Nous espérons ainsi compiler un guide utile qui pourra servir de référence aux étudiants d’histoire de l’art, de culture visuelle, de communication et de toutes autres disciplines liées à l’image, ainsi qu’aux jeunes, professionnels ou amateurs, qui souhaitent ouvrir un blog ou envisagent de publier un livre.

Enfin, sachant que le droit diffère d’un pays à un autre et que le net ne connaît pas de frontières, avec cette série de publications nous espérons nourrir une réflexion sur les particularités de la démarche de notre plateforme, un espace de réflexion francophone dédié à la photographie japonaise ainsi qu’aux échanges culturels et artistiques franco-japonais.

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